L’ART pour cible, de Karin Müller

Jean Lacouture qui préface le dernier livre de Karin Müller, « Quand l’ART est pris pour cible » (éditions Prisma), a trouvé la formule la plus lapidaire et la plus juste pour exprimer l’une des tares les plus profondes de l’âme humaine : la jalousie. Cette monstruosité qui conduit aux pillages, aux destructions, aux meurtres, aux guerres, aux catastrophes… Voici l’expression  de Jean Lacouture : « Caïn regarde Abel, le trouve beau et le tue ». Superbe et terrible résumé d’une philosophie de la négation de l’autre qui pourrait servir de devise à de si nombreuses civilisations… Et qui pèse sur l’Humanité depuis sa fondation.

Quand l’homme dans son histoire de quelques dizaines de millénaires a voulu  s’élever au dessus des contingences et s’évader du quotidien pour aller vers l’absolu, pour sortir de sa grotte ( platonicienne ou non ), le recours le plus universel qu’il a toujours cherché, celui vers lequel il s’est toujours tourné ( au delà même des religions ou de la politique ) est celui de l’ART. 

Du coup, dans la hiérarchie des valeurs matérielles et spirituelles, l’art est devenu le trésor le plus rare de chaque groupe humain, de chaque tribu ou de chaque nation. L’art c’est ce qu’on cache au fin fond des cavernes, dans les donjons, les cathédrales, les caves des banques et des châteaux forts,  et les musées que l’on défend becs et ongles…

Lorsque  pour des raisons religieuses, militaires, politiques ou même sans raison, un homme, une nation  s’attaque à un autre homme, à une autre nation, il cherche d’abord à lui nuire, à lui faire mal, à lui arracher ses œuvres d’art ou à les détruire.  Il commet un crime qui va au plus haut dans le registre des noirceurs et qui s’apparente au régicide, au parricide, au déicide.

Le crime est le  plus grave et le plus catastrophique parce qu’irréparables lorsque des humains détruisent à tout jamais des œuvres immémoriales. Ce sont les Bouddhas de Bamiyan, à deux cent trente kilomètres au nord de Kaboul en Afghanistan, réduits en poussière par les talibans iconoclastes en 2001.  C’est le Parthénon transformé en poudrière par les Turcs qui explose en 1687 sous l’effet d’une bombe vénitienne. C’est le petit dessin de Seurat volé par un garçon traiteur qui disparaît en fumée dans l’évier du chapardeur lorsque celui-ci s’aperçoit  qu’il ne pourra pas en tirer profit. C’est la face du Sphinx de Gizeh saccagée en 1378 par un soufi fanatique, Mohammed Sa’im al-Dahr, qui finit pendu par les paysans égyptiens.

On pourrait citer d’autres horreurs racontées avec une grande simplicité, beaucoup de précision et d’efficacité par Karin Müller. Des vandalismes qui concernent la petite sirène de Copenhague ; l’Artémision d’Éphèse –une des 7 merveilles du Monde- brûlé par Érostrate en 356 avant J.C. ; le château d’Immendorf en Autriche, incendié par les nazis avec ses 300 dessins et 13 toiles de Klimt, ses 300 tapis précieux, le 8 mai 1945 ; le portrait de Philippe IV par Rubens ; la bibliothèque de Goethe ; la cathédrale de Reims ; des tableaux de Cy Twombly, de Basquiat,  de Pablo Picasso ou de Poussin… ; les centaines de chefs d’œuvre anéantis le 11 septembre 2001 dans le drame des twin towers du World Trade Center à New-York…

Parfois la mésaventure se termine moins tragiquement : « La Joconde » volée au Louvre le 21 août 1911 est récupérée en décembre 1913 ; « La Madone au fuseau » de Vinci - encore lui - volée au château de Drumlanring en Écosse, en 2003 est retrouvée quatre années plus tard par la police… Parfois des disparitions deviennent des énigmes qui ne seront peut-être jamais tirées au clair, mais s’ouvrent sur des mystères insondables… On aurait pu, dans le livre, trouver d’autres exemples. Il en fourmille. C’est un de ses multiples intérêts. On y découvre,  des dizaines d' histoires, tristes ou drôles, narrées d'une plume alerte. Et l’on en tire ( au moins ) une  leçon, c’est que  si l'Art est éternel,  les œuvres d’art sont mortelles.

Un urinoir, c’est fait pour uriner. Sauf celui que Marcel Duchamp a élu œuvre d’art et baptisé « Fontaine », en 1917, en le signant R. Mutt. Le réceptacle de porcelaine tente un beau jour le Niçois « inspiré » Pinoncelli qui décide de pisser dans le « ready-made » exposé au Carré des Arts de Nîmes en 1993. L’objet est une réplique de 1964 de l’original disparu.  L’acte,  idiot, devient absurde et criminel lorsque le fada, prétendument dada, attaque l’urinoir avec un marteau. Une manie pour ce provocateur qui s’en prend à nouveau à cette pièce en 2006 : trois mois de prison avec sursis  et près de 15 000 euros de dommage et intérêt…

Pour le plaisir du lecteur  ce livre brave les lois de la narration chronologique ou géographique. C’est  un livre multidimensionnel… Un feu d’artifice qui au long de 101 fusées, de 101 histoires, de 101 éclats, illumine de ses lumières savantes les recoins de la Planète..  Du Nord au Sud , d’Est à l’Ouest,  nous voici embarqués dans une superbe machine à remonter - et à redescendre- le temps…

Jacques Bouzerand




"Rotraut" Par Michèle Gazier (éd. Dilecta)

« Rotraut » Par Michèle Gazier (éd. Dilecta)

 

« Faire l’Amour avec la Vie »

Rotraut, Rotraut Uecker, Rotraut Klein, Rotraut Moquay, sous toutes ses identités est d’abord une artiste mythique. Elle est aussi et avant tout une artiste bien vivante, passionnément  créative comme elle l’a toujours été. Le livre que publient les éditions Dilecta, réalisé par Michèle Gazier, apporte ainsi la démonstration de la diversité et de la richesse de l’œuvre de cette artiste. Magnifiquement illustré, cet ouvrage permet sur plus de deux cents pages d’apprécier l’inventivité de Rotraut. La liste impressionnante de ses expositions personnelles ou publiques, la présence de ses œuvres dans les collections publiques ou privées témoignent de son importance dans le monde de l’art d’aujourd’hui.

 

Son parcours dans l’art, Rotraut l’a débuté toute jeune, dans sa Poméranie où elle naît en 1938, à Mecklenburg. Et c’est d’abord dans l’émotion, les sensations, la captation des effluves mystérieux de la nature que naît sa vocation. Rotraut est comme une plaque sensible qui enregistre toutes les vibrations autour d’elle. Peu à peu, elle constitue ainsi son patrimoine qui fait sa richesse et qu’elle distille tout au long de son œuvre.

Pour comprendre le travail de Rotraut, il faut saisir la vie de l’artiste dans sa globalité. Dans ses points fixes comme dans ses déplacements intercontinentaux. De sa naissance, en Allemagne, juste avant la guerre, jusqu’à l’épanouissement de son expression dans son atelier de Paradise Valley, près de Phoenix, en Arizona, via l’Australie où elle a aussi ses attaches. Comprendre d’où vient son inspiration, d’où jaillissent les émotions et les pulsions qui l’animent. Savoir que Rotraut a toujours baigné dans un milieu où créer était une seconde nature. Ce n’est pas un hasard si son frère, Günther Uecker, est devenu l’un des artistes allemands contemporains les plus reconnus et admirés dans le monde. Savoir aussi qu’elle a été l’épouse d’un des phares de l’art contemporain, Yves Klein.  Disparu en 1962, celui-ci a laissé une œuvre d’une immense portée fondatrice : les collectionneurs du monde entier se l’arrachent aujourd’hui à prix d’or connaissant sa valeur prophétique et esthétique. Savoir enfin que l’art a toujours été le guide de Rotraut.

 

La permanence et la continuité sont les maîtres mots d’une œuvre en perpétuel enrichissement. Dès 1956, Rotraut réalise ses premières Galaxies où,  d’emblée, le Cosmos est la référence fondamentale. L’artiste dépose à la surface du support –toile marouflée sur bois- des quantités de petits points, des gouttelettes de pâte blanche qui vont durcir. Puis elle recouvre le tout d’encre de Chine, de peinture noire, et ensuite, en grattant l’étendue opacifiée à la toile émeri, elle fait réapparaître certains de ces points de lumière. Une constellation d’étoiles vient de naître. En 1963, Rotraut crée toujours des Galaxies, mais elle ajoute à  son espace créatif de nombreux tableaux inspirés par l’Univers et la voûte céleste : soleils ; lunes ; trous noirs ; comètes ; éclipses…Ce sont des approches, des voyages intersidéraux, des raccourcis spatio-temporels, toutes dans le mouvement. Mais aussi  des cartographies, comme dans les Tantras, où la représentation du temps infini qu’on a intimement en soi est l’objet d’une figuration ésotérique. Cette cosmographie, en 2005, n’a perdu ni sa fraîcheur ni sa spontanéité. Pour obtenir des effets semblables mais à grande échelle, Rotraut pratique un dripping avec une grande brosse et des pinceaux. La toile, parfois immense, est au sol. Rotraut la sème d’étoiles blanches ou de glitter noir, dans ce « délire énergétique extralucide »  que décrivait avec bonheur Pierre Restany.

 

Retour à 1960. A la poursuite du Graal de la création, Rotraut imagine de « voler » la sensibilité des grands maîtres classiques. Elle publie même une manière de manifeste dans lequel elle écrit : «  J’ai décidé de tenter de voler purement et simplement la sensibilité picturale de grands maîtres de notre art occidental si hermétique. » Elle projette alors des diapositives et se place en plein cœur de tableaux magistraux. Sur un grand papier fixé au mur, elle suit les lignes de force de l’œuvre, en reprend les mouvements qu’elle ressent, en repeint les couleurs.  A partir de ce travail, elle sélectionne une partie pour en tirer des  empreintes. Cette idée de projection l’autorise à être seule face à ces peintures, à les lire avec sa personnalité. Elle les intériorise et  peut ainsi pénétrer dans l’âme de cette peinture et dans celle de l’artiste. Elle se met ainsi en harmonie combative avec Botticelli, Rubens, Cézanne, Gauguin, David…Une belle galaxie d’artistes dont Rotraut veut là aussi percer les secrets. Ces œuvres  sont exposées pour la première fois chez Amstel à Amsterdam en 1964. De l’infiniment grand à l’infiniment intime, la voie n’est pas déviée. De même quand Rotraut imagine ces tableaux où sont superposés deux carrés, dont l’un en losange.  Le plus grand ouvre la perspective sur un univers. L’autre, au centre, zoome, si l’on peut dire, sur une vision plus ciblée, une image forte, un détail sensible. L’un et l’autre jouent ensemble à créer du sens.  Roraut trouve un soir la confirmation de son intuition alors qu’après avoir peint ainsi son premier tableau de cette sorte, elle contemple un coucher de soleil sur un sommet de l’Arizona et que le soleil dorant la crête de la montagne semble lui donner son accord.

Lorsqu’en 1959, Rotraut travaille sur bois ses peintures reliefs, il s’agit de créer à la surface des planches des reliefs à base de colle  et de plâtre dont elle fera des empreintes. L’œuvre ainsi se dédouble : d’une part, la trace originelle du travail plastique ( fixé sur le support) ;  d’autre part, la mémoire de ce travail qui devient empreintes et peut se démultiplier. C’est ce qu’elle expose à Londres à la New Vision Gallery. Et ce sera aussi une de ses méthodes pour l’avenir dans le développement de son travail sur les Formes.  Ces formes, produites dans une conduite d’énergie-réflexe dès 1952, sur les tableaux d’abord, sont élues et choyées. L’artiste y voit du végétal, de l’animal, de l’humain, elle y discerne la masculinité, la féminité…. Vite, elles deviennent des personnes à part entière qui prennent leur extension dans l’air, dans l’eau ; elles sont également déclinées en sculptures de céramique, de marbre blanc de Carrare ou noir de Belgique, de métal, de bois, de pierre, de bronze, d’acier, de plastique… Nées grandes comme une main, elles deviennent parfois immenses ; blanches à l’origine, elles se parent de toutes les couleurs les plus vives : robes rouges d’un feu qui rayonne, parures jaune-soleil, vert-prairies…ou noir-carbone étincelantes comme autant de diamants.

 

Toute cette pratique pourrait n’être que techniques parfaitement apprivoisées et mises en œuvres avec dextérité. Pas chez Rotraut qui, tel un médium, vibre à l’unisson de ses découvertes successives. « Peindre, dit-elle, c’est faire l’amour avec la Vie ». Il y a dans la moindre de ses productions une puissance presque primitive, une fulgurance, un élan vital surgi du plus profond de sa sensibilité qui  lui donnent ses raisons de créer. Et qui rassemblent une œuvre où il y a beaucoup à découvrir sur nous et sur le Monde.

Jacques Bouzerand.

Yoyo Maeght : Chronique de désamours

Les histoires d’amour, en général, finissent mal... C’est en tout cas ce que dit la chanson. L’histoire, de trois générations de marchands d’art (parmi les trois ou quatre plus importants et plus emblématiques de la planète), cette saga  que nous raconte Yoyo Maeght depuis les coulisses aurait pu être une histoire d’amour… Hélas… on est bien détrompé à la lecture de ce livre que Yoyo  vient de publier chez Robert Laffont : « La saga Maeght ». Ce livre intelligent, fourmillant d’anecdotes et de détails savoureux,  on le dévore comme un polar d’été. C’est de prime abord le récit fabuleux d’une plongée familière, familiale, intime dans ce panthéon des artistes constituant l’entourage amical, prévenant du grand-père fondateur : Aimé Maeght. Pas des artistes au rabais, des peintres du dimanche ou des barbouilleurs à la petite semaine… Non, ce sont les plus grands artistes du siècle, les créateurs les plus inspirés, des icônes de l’histoire de l’art  : Auguste Bonnard, Henri Matisse, Kandinsky, Georges Braque, Alberto Giacometti, Miro, Calder, Tapiès, Chillida, Picasso, Chagall, Duchamp… Imaginez le jacuzzi de culture dans lequel baignent alors les Maeght. Une féérie dans laquelle flottent notre imagination et nos souvenirs. Les souvenirs, d’abord, de Françoise Maeght, appelée Yoyo comme l’avait rebaptisée Jacques Prévert.

Aimé, l‘aïeul, et son épouse Margueritte, dite Guiguite, ont vécu pour l’art d’un bout à l’autre de leur vie. Pas en artistes à proprement parler  mais en metteurs en lumière des artistes : par les éditions, les lithographies, les expositions, les galeries , une fondation… Issus d’un milieu plus que modeste ils deviennent les Cecil B. de Mille chics de l’art moderne et contemporain. Cette vie industrieuse et magnifique s’est fixé pour but d’aider les peintres, les sculpteurs à se faire connaître et à montrer au monde leur génie. Et aussi de mettre sur le marché avec des résultats munificents les œuvres les plus belles de ces artistes choyés. Le  couronnement est à Saint-Paul de Vence la création – en 1964, voilà tout juste un demi-siècle - de l’irremplaçable et sublime Fondation Aimé et Margueritte Maeght, abritant chefs d’œuvre et collections inouïes dans le cadre magique d’une montagne embaumée de senteurs provençales et toute bruissante du crissement des cigales.

Ces inventeurs de beauté, ces passeurs, donnent naissance à deux fils. Le plus jeune, Bernard, est emporté à onze ans par une leucémie. Son aîné, Adrien, se retrouve alors l’unique héritier éventuel, le jour venu, des trésors d’art amassés et de la fortune accumulée par Aimé et Guiguite. (Avec sa demie-sœur Sylvie, née hors mariage, d’Aimé et d’une de ses secrétaires). Rien des facilités de la vie n’est refusé par ses parents aimants à ce fils devenu unique. Rien  ne l’empêche de mener sa vie à sa guise et de pousser jusqu’aux limites sa passion dévorante pour l’automobile et leur collection. Son implication dans le « business » familial, intermittent et à éclipses, même si Adrien est un excellent imprimeur d’estampes et un galeriste reconnu,  ne gâche jamais sa vie de « fils de famille ». Il est plus attiré par Saint-Germain-des-Près, les plages du bout du monde, les virées ou les rallyes avec les copains que par l’accomplissement  du rêve de ses parents. Même s’il en profite allègrement. Son style de vie, nouveau dans la lignée, saugrenu, incongru, conduit inévitablement à la rupture avec son père, déçu, dépité. Sa mère au demeurant lui conserve sa bénédiction.

N’empêche,  l’amour familial d’Aimé et  de Guiguite se reporte de fait sur les petits enfants : Isabelle, Florence, Françoise-Yoyo et Jules. Quatre enfants élevés dans de beaux appartements parisiens, entourés de nounous qui remplacent peu ou prou les parents accaparés ailleurs par d’autres distractions. Ou laissés dans une liberté qui choque les parents de leurs petits camarades. Dans cette fratrie, la plus jeunes des « p’tites filles », Yoyo n’est d’emblée pas la mieux traitée. Longtemps, pour plaisanter,  on lui fait même accroire qu’elle est une enfant trouvée sur les marches d’une église… Drôle de plaisanterie, inventée par Prévert et bien cruelle pour la cadette jugée par sa mère moins jolie à sa naissance que ses deux aînées… À l’inverse, le garçon, né plus tard, le petit dernier, a droit à un accueil plus charmant et surtout à la diligence de ses sœurs qui s’occupent beaucoup de lui tissent un cocon.

 

Le temps passe, les enfants grandissent. La romance va tourner au vinaigre. La disparition des grands-parents, l’effacement d’une mère affaiblie vont introduire dans ce petit groupe où l’argent dûment gagné foisonne les germes d’une véritable guerre. Il faut dire que le plus naturellement du monde, comme on le ferait dans une famille rassemblée et pétrie de seuls sentiments de miel et de sucre, à chaque fois que l’occasion se présente, les successions successives (Guiguite, Aimé, Paulette, la mère…) sont laissées dans un pot commun, dans une indivision confiée à Adrien, le pater familias et à l’aînée des filles Isabelle. Qui manquent souvent de précautions et se retrouvent victimes de manipulations. Yoyo s’affaire pour la boutique de jouets automobiles annexée, pour la Fondation dont elle est nommée administrateur en 2002, devient directrice de Maeght éditions, où elle apparaît comme secrétaire sur les fiches de paie. Voilà pour le courant des jours. Hélas, quant au  fond de l’histoire, quant au fonds Maeght, comme le rapporte Yoyo, le compte n’y est pas. Sur de bonnes intentions affichées, à travers des imbroglios, des chausse-trapes, des coups fourrés, des faux semblants, des listes perdues, un ordinateur disparu, des comptes incomplets, des erreurs de gestion, des ventes incongrues d’œuvres ou de biens immobiliers, des révocations… bref, via mille et une bizarreries, touche après touche, il se trouve que ni Yoyo, ni sa sœur Florence, ne retrouvent in fine, ni dans  les papiers, ni en bonnes et dues traces d’actifs ou en finances,  leur mise originelle. C’est à dire la  part leur revenant des successions de leur mère ou de leurs grands-parents. Passons sur toutes sortes d’avanies subies par ces deux sœurs comme la recherche d’adn dans la bouche même de Yoyo par les gendarmes ou la condamnation par son aînée de l’accès à son propre bureau. Yoyo perd tout pouvoir et tout ce qui la reliait à la maison Maeght.  Il faut la logique intervention des avocats et de la Justice pour remettre peu à peu de la clarté dans la bouteille d’encre et rendre à Yoyo sa totale autonomie. « Que vais-je faire maintenant que je suis libre ? » Yoyo pose cette question en dernière phrase de son livre. Gageons que sa vivacité, son intelligence, son expérience et sa connaissance de l’art et de ses circuits lui apporteront très vite une réponse heureuse. À nous aussi…

Jacques Bouzerand

Le Prince de Hombourg (Avignon 2014)

 

Ça commence, dans la pénombre du plateau du Palais des papes, par une étrange scène où six ou sept très beaux jeunes gens, tous nus et attributs au vent, se pelotent gentiment avant d’enfiler à l’un deux monté sur leurs épaules sa liquette et son pantalon… Ne nous sommes nous pas trompés de spectacle ? Est-ce « Le Prince de Hombourg » de Heinrich von Kleist (1777-1811) ou bien une piècette gay, « On en pince pour le prince à Hambourg » ? (1)

On est vite détrompé et ramené à la raide réalité. C’est bien Kleist que la Festival d’Avignon a voulu ainsi rhabiller de nouveaux atours. En 1951, sur le même podium, s’affichaient sur le même titre Gérard Philipe, Jeanne Moreau et quelques autres tels Jean Deschamps, Monique Chaumette, Jean Négroni, Jean-Pierre Jorris, Charles Denner… Jean Vilar aux manettes.

Nous voilà donc soixante-trois années plus tard, devant un même projet. Le pitch ? Le Prince de Hombourg, un héros romantique, est victime de crises de somnambulisme. Le voilà qui se réveille dans la cour du château et trouve à côté de lui le gant blanc de son aimée Nathalie. Las, plutôt que de rêver ou de somnambuler, il aurait dû se lever très tôt pour aller lancer une bataille… Zut de flûte. Frédéric prend ses jambes à con cou, rejoint le front, emporte la victoire. Ouf ! Eh bien non. Le prince a désobéi. Il sera châtié. La cour martiale le condamne à la mort. Lui, ne veut pas mourir, il geint, il pleurniche, mais il est fier et courageux. Tant pis, il est conduit au peloton d’exécution les yeux bandés. C’en est donc terminé. Pas du tout… car au lieu des douze balles, on lui a réservé un tout autre châtiment : le mariage avec sa belle. Il tombe dans les pommes. Fin.

Pour faire du mélo ainsi résumé un chef d’œuvre qui tienne la route, il faut non pas du talent, mais du génie. Et manifestement, à Avignon, le stock est depuis belle lurette épuisé. On nous installe sur scène une troupe de militaires en capotes grises particulièrement lourdingues et mal datées : serait-on chez Brecht ? en 14-18, après l’abandon du rouge garance ? Même Paulin, déguisé en pioupiou, avait plus d’allure que les Prussiens dans la cour du Palais des papes. Et quand on voit le Prince Frédéric en chemise et bretelles à la Feydeau on se trouve irrésistiblement pris d’un fou rire déplacé.

Laissons de côté le texte – dont la traduction m’a paru bien pâteuse pour un texte initial en vers - et écoutons le son. Fermons les yeux. Ces voix enflées, ces rodomontades, ces vociférations ampoulées, cette scansion… nous y voilà : Mounet-Sully est de retour.

Bref, le charme est rompu. Je n’ai plus que le regret de me retrouver devant un vaudeville grotesque. Nous voilà même gratifiés, avant que le (symbolique et absent) rideau ne tombe sur la catastrophe d’une bizarrerie supplémentaire. Retenu par un réseau d’élastiques le prince s’envole à mi-hauteur et se remue là-haut comme un pantin désarticulé… Drôle de façon de s‘évanouir, on l’envoie en l’air…

À ce singulier spectacle d’aujourd’hui, sans l’ombre d’un remords, je préfère cent fois le souvenir vaporeux qu'ont laissé nos idoles des planches de l’après-guerre, leurs voix sur disques de vinyle et leur images que l'on retrouve dans les encyclopédie du théâtre ou les pages de l’internet… Major e longinquo reverentia ? Certes. Les souvenirs s’améliorent avec le temps qui passe. Ah, j’oubliais. Non, non, le décor n'était pas nul… JB

(1) L

a nudité de ces garçons ne me pose aucun problème, ils étaient très regardantes.. Ce qui m'a énervé c'est le non-sens de cette entrée en matière. Le décalage entre ce prologue quasi onirique et le quasi réalisme de ce qui suivait. Si les soldats de Prusse avaient porté des uniformes emplumés face et dos, des képis avec des aigrettes, des boucles d'oreille et des éventails, que sais-je, j'aurais été moins agacé… Mais Kleist dans tout ça???

À propos de sculpture à Cahors

En matière d'art, on ne doit, d'abord, laisser parler que sa sensibilité. La mienne, je dois le dire, ne va ni vers Marc Petit (L'ange du Lazaret), ni vers Marcel Legrand (La guerre), ni vers Jean Cattant (L'Oedipe du Palais de Justice), ni même, oserais-je l'avouer, vers Robert Couturier, autrement plus célèbre et célébré, et qui vécut dans le Lot. Passés le génial Picasso, l'immense Giacometti, la puissante Germaine Richier, le démiurge Zadkine qui fut notre hôte lotois dans sa propriété des Arques, le magnifique César - dans sa première partie créative - et peut être quelques autres ? en tout cas, pour ce qui est des artistes interprétant à leur manière la « figure » humaine, et le plus souvent de façon néo-expressionniste - et misérabiliste - je n'ai trouvé aucun sculpteur dont je puisse me dire qu'il est un grand créateur. 


Les statues des artistes "contemporains" de cette inspiration précise, de cette branche - que j'ai pu voir jusqu'à présent - ne sont à mon avis que des succédanés, des dérivés sans prise avec notre modernité. C'est un axe de création qui a vécu dans les années de l'après-guerre et qui usé. Tout cela sent le vieux et aussi le dépassé. Sauf si le génie le transfigurait. Hélas, le génie, je ne l'ai pas trouvé au rendez vous. Il existe une autre voie de la sculpture restant proche de la figuration (qui est loin d'être morte), et qui me parait autrement plus forte et signifiante: je pense au Sénégalais Ousmane Sow, à Igor Mitoraj par exemple. Les réussites en tout cas sont rares. Considérez le ratage de l'énorme "commande publique" Mitterrand-Lang des années 80: des oeuvres représentant des écrivains ou des héros historiques (Mendès-France, Sartre, Breton, Mauriac, Bernanos, Rimbaud, Bertie Albrecht, Blum, Dreyfus, etc). La plupart de ces sculptures ont même eu des difficultés pour trouver une place dans l'espace urbain tant elles semblaient peu réussies. 

Les réserves nationales regorgent de sculptures bien mieux abouties, bien plus fortes, expressives, intéressantes, qui ne demanderaient qu'à retrouver le grand air. Autant dire que l'installation d'une sculpture en un lieu public, à la vue et à l'appréciation constante du public, me semble requérir une réflexion poussée. Et un consensus éclairé. Une réflexion sur ce qu'est l'art au XXI ème siècle - et non une resucée des années 50 - et ancrée sur les artistes dont l'intérêt dépassera peut être - la décennie, centrée sur les artistes qui ont une vision nouvelle et engagée du monde ou des formes. Le Lotois Bernard Pagès, dont une création a été mise en place dans les jardins du Conseil général est un bon exemple et très parlant. Quant aux sommes à engager pour de tels investissements, il faut quand même, être raisonnable. Les services comme celui d'Artprice sont aujourd'hui assez performants pour que la vraie valeur, la cote d'un artiste, soit recoupée à la lumière des résultats ententes publique, seuls témoins sincères et fiables. Cela dit, mon avis n'engage que moi.

Hijack : l'art en de nouveaux horizons

L’art n’échappe pas à l’air du temps. Quand on est né à Los Angeles en 1992 et si l’on commence à s’inscrire dans le métier d’artiste au cours de la première décennie du XXI ème siècle, l’art vous tape à l’œil. Il vous en met plein la vue.  Tout est visuel et tout vous invite d’emblée à investir l’univers de l’image. On ne peut que plonger dans le grand bain des représentations  du monde que ces stars  ont crées,  disponibles à tous et qui attirent les feux les plus vibrants des projecteurs.

Dans cette ère Post-Warholienne, où chacun peut se forger son quart d’heure de célébrité, les artistes qui font alors le buzz, ce sont précisément ceux dont la gloire médiatique explose en quelques secondes de façon déflagrante dans les rues. Leur puissance est telle qu’elle persiste comme une image rétinienne des mois, des années, des décennies. Et la célébrité avec…

La première fée qui se penche sur le berceau de Hijack, c’est d’abord son géniteur. Son père, c’et Mr. Brainwash. Ce vidéo-cinéaste et « street-pop artiste », de son vrai nom Thierry Guetta, a conquis son blaze à deux cents à l’heure.  Les  revues d’art en pointe et même les journaux grand public ne cessent de parler de son imagination  débordante. Et aussi des images extraordinaires qu’il a subverties et qui animent les artères des grandes villes. Les amis de cet ouragan des murs sont comme lui des « Street Artists ».  Excusez du peu, ils s’appellent Space Invader, Shepard Fairey et le cultissime et secrétissime  Banksy dont les œuvres s’arrachent pour des millions de dollars. D’ailleurs Bansky a été désigné « personnalité de l’année »  lors des Webby Awards qui récompensent annuellement les vedettes du web mondial.

Hijack, bien sûr, n’hésite pas à entrer dans la carrière, même si ses aînés y sont encore… À son tour, d’entrée de jeu, il se fait repérer. De nuit, il enlumine de peinture les fonds de murailles de ciment ou de béton défraîchi et écaillé.  Et sur ces espaces qu’il s’est appropriés, il joue du pochoir. Mais sa marque, sa différence, ce sont les slogans de toute première force qu’il y inscrit : « Dream with your eyes open », « Youre never too young to dream big »,  « The sky is not the limit »,  « Youre never too young to love », « Perfection is false »… Hijack a eu la bonne idée marketing d’inscrire ces aphorismes new-style, provocants et rafraîchissants sur ces panneaux publicitaires « open » que sont les murs de Los Angeles puis de Londres.  Il choisit aussi, sage précaution,  les avenues les plus hantées par les automobilistes comme Runyon Canyon ou fréquentées par les touristes comme Melrose avenue à L.A. Et ça fait tilt… Et même boum…

En juin 2013, alors qu’il va exposer à la prestigieuse Galerie Mead Carney, sur Dover Street, à Londres, dans le quartier huppé de Mayfair,  Hijack a droit immédiatement à des papiers ou des articles web enthousiastes dans Art of England, The Art Newspaper, The Telegraph…  Et Caroline Frost dans le Huffington Post UK se pose même la question : « Est-il le nouveau Bansky ? En octobre de la même année, il est invité au Mexique à l’Art center de Guadalajara. Le succès est tel que l’exposition est prolongée de plusieurs mois.

L’an dernier, la Galerie Moretti & Moretti, entre la Bastille et le Marais, avait montré quelques œuvres de Hijack dans sa vaste exposition Street and Pop. Il y revient cette année en force et en solo dans son show « Life through street art ». Pour nous donner à voir et à rêver de nouveaux horizons…

Jacques Bouzerand

"Crimes et châtiments"…. : une "tuerie" à Drouot...

C’est une mine extraordinaire qu’offre aux collectionneurs passionnés par le thème « Crimes et châtiments », la criminologie sous toutes ses formes,  la vente (d’une partie) de l'immense bibliothèque Philippe Zoummerroff par la maison Pierre Bergé & Associés le 16 mai à Drouot-Richelieu.

Philippe Zommerroff, aujourd’hui administrateur de la Bibliothèque Nationale de France,  est l’ancien directeur de la société Facom, spécialisée dans l’outillage à main (fondée par son grand-père). Il a toujours été un collectionneur hors pair d’enregistrements d’opéras, de timbres et marques postales, d’ouvrages anciens. Il a constitué une impressionnante bibliothèque de plus de 15 000 ouvrages, - livres rares et anciens, ouvrages de référence, compte-rendus de procès,livres et amnuscrits, etc, - relative à la justice pénale et l’a mise à disposition sur internet  (http://www.collection-privee.org/public/zoummeroff.php ) dans le cadre de la Bibliothèque Zoummerroff  et de la Bibliothèque française de criminologie. Cette bibliothèque, selon les informations qu’elle diffuse, concerne la justice pénale au sens large. « Elle concerne non seulement les délits et les crimes de droit commun, mais aussi les crimes politiques,les exactions liées aux religions,la mafia, les camps de concentration et autres goulags, les bagnes, les révolutions, les grands procès… » Autant dire un fonds extraordinaire fondé par ce chercheur hors normes et ce généreux dispensateurs du savoir que ses recherches lui ont fournies.

Pour revenir à la vente du 16 mai qui verra affluer les collectionneurs internationaux et dont ont peut gager qu’elle sera le théâtre d’enchères colossales il faut signaler qu’elle apportera sur un plateau des perles inimaginables. Impossible de citer tous les trésors disséminés dans les 423 numéros du superbe catalogue de A à Z, qui s’ouvre sur des affiches de sentences du XVIIIème siècle et se clôture sur le numéro du 13 janvier 1898 du quotidien L’Aurore avec l’article célèbre de Zola, « J’accuse » ( estimé de 3 à 4 000 €).

La vente est organisée en trois grandes périodes. Ancien régime (112 n° ) ; Révolution (n° 133 à 181) ; XIXème et XXème siècles (n°182 à 423).

Pour la première période, signalons l’ouvrage de Carré de Montgeron, condamné à la destruction, sur les convulsionnaires -1737-41 ( estimé de 1 500 à 2 000 €) ; une édition originale du Code Noir de la Louisiane -1727- ( estimé de 5 à 6 000 €) ; L’index espagnol de livres défendus de 1583 ( estimé de 3 à 4 000 €) ; une édition originale de L’esprit des lois de Montesquieu -1748- ( estimé de 12 à 15 000 €) ; un édit manuscrit contre la sodomie de Cosmes de Médicis-1742- ( estimé de 8 à 10 000 €). Et des documents précieux sur Cartouche, Damien, Latude, Mandrin, Ravaillac…

Concernant la Révolution, voici le recueil en huit volumes des pièces de la « Conjuration des égaux » de Gracchus Babeuf ( estimé de 8 à 10 000 €) ; un manuscrit autographe de Condorcet sur Le droit des peuples à disposer d’eux-mêmes -1792- ( estimé de 8 à 10 000 €) ; des lettres et pièces concernant les 16 déportés de Fructidor (Barthélémy, Pichegru, Ramel…) ( estimé de 1 500 à 2 000 €) ; la liste signée d’Hébert relative à l’élection du maire de Paris -1792- ( estimée de 4 à 5 000 €) ; un ensemble de 317 pièces relatives au procès de Louis XVI en quatre volume -1792- ( estimé de 6 à 8 000 €)…Entre autres…

Le très curieux meuble-trombinoscope des 100 criminels les plus recherchés des Etats-Unis vers 1880 ( estimé de 30 à 40 000 €) ouvre la troisième période. Relevons des ensembles de dessins de prisonniers et de bagnard s de Cayenne (estimations très diverses et jusqu’ 15 000 €).

La collection de 1928 à 1932 de l’hebdomadaire Détective –édité par Gaston Gallimard avec des articles de Kessel, Mac Orlan, Morand… est estimée de 1 000 à 1 500 €) ; un ensemble autour de l’affaire Dreyfuss : photographies originales, documents divers ( estimé de 15 à 20 000 €). Les amateurs intéressés par les affaires Bonnot, Fieschi, Fualdès, Gorguloff, Lacenaire, Loutrel dit Pierrot le fou, Mata-Hari, Marie Besnard, Jesse James, Violette Nozières, Petiot, Ravachol, Vacher, Villain…trouveront leur miel Les connaisseurs d'Alexandre Lacassagne, le fondateur de la criminologie également. Quant au grand opposant à la peine de mort,  Hugo, il est  est aussi bien représenté.  Autour de Landru, un ensemble de photographies et de documents ( estimé de 6 à 8 000 €) ; un manuscrit  autographe relatif à son procès à Versailles en 1921-22 (estimé de 2 à 2 500 €). La collection complète de La Lanterne du pamphlétaire Henri de Rochefort -1869-1876- accompagnée de documents et objets est estimé de 2 à 3 000 €).

Jacques Bouzerand